Dette innlegget er arkivert under:
Hjemmeside høydepunkter,
Intervjuer og kolonner
Krise nr. 1
av KC Carlson
Tidligere på uendelig historie: (del 1) (del 2) (del 3) (del 4) 1980-tallet var en spesielt fruktbar periode for kreativitet i superhelt tegneserier. Mange aspekter utenfor – endringer i distribusjon, nye formater, skapere som ønsker nye utsalgssteder for å uttrykke sin kreativitet som fører til nye tegneserier forlag, og en overordnet følelse av at tegneserier som medium vokste med kvantesprang – fordi dette. 1986 var et spesielt godt år for tegneserier, inkludert Watchmen, Batman: The Dark Knight Returns, Maus og mange andre minneverdige prosjekter. Det føltes som en ny gullalder – men det var mørke brygging.
Det er tøft å gå over i detalj den såkalte moderne tid (også noen ganger omtalt som jern- eller kobberalderen, i tråd med de tidligere veletablerte metalliske epoker av gylden, sølv og bronse) fra midten av 80-tallet og opp,, og Siden det ikke er noen entall avtalt for å markere begynnelsen. Derimot definerer Barry Allen Flash -vekkelsen i 1956 normalt begynnelsen av sølvalderen. Generelt anses denne perioden å begynne omtrent 1985-1986, og omfatter begge Marvels Secret Wars (Superhero Comics ‘første store begivenhet) og DCs krise på Limitless Earths (første superhelthendelse som viser en klar overgang/evolusjon fra en ting til den neste). Noen av de avgjørende elementene i denne epoken med tegneserier inkluderer fremveksten av uavhengig publiserte tegneserier, og tegneserier blir mye mer involvert i forbedring av bransjen (i tillegg til å bli mye mer kjent både for sitt arbeid og som personligheter) , og mange karakterer-både nye og veletablerte-som er mye mer psykologisk og følelsesmessig sammensatt.
Det er også den første epoken med tegneserier der historiene om karakterene, historiene til skaperne og mylder bak kulissene tjeneste og tegneserieindustrimekanikk alle sammen kombinert i hodet til hverdagens tegneserie-fan. Det skyldes en kraftig fanpresse og forverret av den raske utviklingen av teknologi forbi poenget med noen utgivere å lykkes med å kontrollere – eller undertrykke – det. Etter hvert som karakterene i seg selv ble Grimmer, og etter hvert som bransjens rykter, søksmål, designerfeider og backstabbings ble hverdagslige fanniske snakkepunkter, ble tiden også kjent med et annet navn – den mørke tidsalderen.
Mørke brygging …
Vigilante #1
Mange av de mørkere elementene begynte først å dukke opp i noen av de mest elskede (og mest solgte) tegneseriene i tiden: Uncanny X-Men, Daredevil, Batman: The Dark Knight Returns og Watchmen. Til og med superhelt tapet av krise på ubegrensede jordarter kunne ikke skjule det faktum at hundrevis av karakterer døde, toppet av to fanfavoritter: The Flash og Supergirl, begge godt forbi deres førsteklasses som effektive toppkarakterer og fløt i slyngende historier.
Til å begynne med ble det voksende mørket hovedsakelig tilskrevet en ny “realisme” i tegneserier og anerkjent som noe som lenge var nødvendig for den pågående utviklingen av tegneserier som en kunstform. Mange av de tidligste historiene som utforsker disse temaene, er fremdeles i dag ansett som klassikere på feltet. Men ettersom mindre kreative talenter begynte å bruke de samme temaene i historiene sine – til mye mindre effekt – “realisme” begynte å se ut som en annen tegneserietrend, noe som skulle kopieres og imiteres fordi det var trendy, men mest fordi det så ut Det vil selge som gangbusters. Få skapere kunne administrere voksne temaer så vel som Alan Moore gjorde det, og uten det underliggende innholdet, fremsto resultatet som vold for sin egen skyld, “dyster og grusom” som en trend i stedet for noe alvorlig å si.
For å være rettferdig, skjedde de samme tingene også andre steder i populærkulturen. Grittier -filmer vokste vekk fra sin “kult” -status til populære blockbusters. TV (et annet medium, omtrent som tegneserier, som hovedsakelig tok ledelsen fra det som skjedde andre steder) fulgte snart etter.
I superhelt-tegneserier, det som må ha vært blomstringen av en brønn av kreative ideer-tegneserier som omfavner andre kulturer, elementer fra eldgamle historie og sjanger-busting historier som involverte overnaturlige, skrekk og grusomme kriminalitetsnoir-elementer, ble hovedsakelig normen. Antihelten var konge, og Comics ‘primærfarger ble svart, grå og rød.
Det var en ting for tegneserier å legge til karakterer som Punisher, og så mye senere årvåkenheten, og Deathstroke Terminator, da brutale karakterer som dette var en naturlig utvekst av de skiftende tidene. Til å begynne med ble mange av disse karakterene fremstilt som standard skurker, men etter hvert som tidene endret seg, gjorde det også slik de opererte på. De gikk etter dårlige mennesker som var dårligere enn de var, så på en eller annen måte som rettferdiggjorde dem ved å bruke brutal makt og dødelige våpen for å drepe fiendene sine.
En fan som ikke gledet seg over den typen historier, som ikke brydde seg om å se hvem som kunne være mye mer brutal ennDen neste fyren, kunne forsømme dem. De var alltid litt av til siden av mainstream. Men da begynte “Grim and Gritty” å påvirke standardheltene – og endret til slutt måten de opererte på. For eksempel ble Batman mørklagt, noe som gir mening for ham som en “mørk hevner” -type. Men noen skapere tok det for langt, og mistet følelsen av sine kjernemotivasjoner for å gjøre det han gjorde. Noen karakterer må fremdeles eksistere for å være iboende og urokkelig gode og heroiske – akkurat som det nå var karakterer som iboende var mørke og vridde og amorale.
Mange fans trakk streken med å lage alle eldre karakterer som har en slags skjult traume eller noe som bøyde dem til en psykologisk kringle. For eksempel var Superman en skygge av det han må være, typisk traumatisert av tvil (eller fryktelige hårklipp). Mange av X-Men var ugjenkjennelige fra heltene mangeårige fans vokste opp med. Som flere titalls mer.
I tillegg var det usedvanlig tullete for alle å begynne å bruke skinnjakker for å få dem til å se hardt tilbake på 90 -tallet. Nå, det fikk meg til å le! Vi har nettopp fått en tilbakeblikk til den epoken med Jim Lees redesign av Wonder Woman’s kostyme, et utseende som lett kunne ha blitt droppet på sidene til en hvilken som helst tegneserie den gang.
Selv tegneseriens tjeneste blir mørk
Grim og gritty var overalt, ikke bare på sidene til tegneseriene selv. I vår verden gikk tegneserier gjennom en betydelig offentlig renessanse på slutten av 1980 -tallet, mest på grunn av den revolusjonerende utviklingen av tegneserier selv. De begynte å bli tatt på alvor som en kunstform, diskutert ofte i magasiner og aviser, pluss at lærde ble involvert, noe som antydet at bak de unge fangene og opprinnelsen til tegneserier og karakterene deres, var det nå på tide å begynne å ta dem på alvor.
Hollywood tok dem absolutt på alvor. Men til tross for noen tidlige suksesser (de første par Superman -filmene), tok det lang tid å få tegneserien Motion Picture til hvor det ville være en suksess ikke bare for tegneseriefans, men også med allmennheten. (Å vente på at riktig teknologi skulle komme videre for å fange superdrevet handling på film var en tydelig snublestein). Så det var mange store penger som bare ventet i vingene.
Howard The Duck #1 var en av de tidligste tegneseriene som ble berørt av spekulanter.
Ikke at tegneserier nøyaktig manglet for penger på 80 -tallet og begynnelsen av 90 -tallet. Den komiske evolusjonen genererte absolutt en gjeng med kunstneriske medier, men den skapte også en flåte av POW! Zap! Tegneserier verdt store dollar! dekning. Avis og magasiner rapporterte at gamle tegneserier – spesielt første utgaver og opprinnelse til populære karakterer – gikk for tusenvis og tusenvis av dollar! Og nærmer seg millioner! Dette var fødselen av den moderne tegneserie -spekulatoren, og fikk tegneserier for deres økonomiske verdi (som helt sikkert var opp, ikke sant?) I stedet for innholdet.
X-Men #1 inneholdt fire omslag som koblet seg til å danne et enkelt bilde.
Selvfølgelig var Big Bucks -vinkelen bare overskriften og ledelsen i historien. Du måtte lese dypere for å oppdage at bare visse tegneserier var verdt vanvittige penger – og normalt bare på grunn av deres alder, knapphet og tilstand. Men mange mennesker så bare dollartegnene og gadd ikke å lese videre. Så mens utgivere var glade for å ha den betydelige tilstrømningen av salget i løpet av denne perioden, var det veldig tøft for dem å få en fornuftig regnskap for om dette salget var splitter nye lesere tiltrukket av historiene og skaperne, eller hvilke prosentandeler av salget som ble utgitt for spekulanter (eller forhandlere) å få flere saksmengder (enten 200 eller 300 eksemplarer, avhengig av en boks sidetelling og tykkelse). Jeg mistenker at selv i dag har en god prosentandel av kjøpmenn fra den tiden fremdeles usolgte tilfeller av Jim Lees X-Men #1 i bakrommet eller lageret. (Jeg vet personlig flere.) Hvem vet hvordan kan individuelle tegneserier “hamstre” fremdeles sitte på deres og venter på dagen deres firefargede hest endelig kommer inn.
Forbedringer? Hvilke forbedringer?
Eclipso inneholdt en “perle” på forsiden.
Hovedpoenget, mange utgivere brydde seg egentlig ikke om hvem som fikk tegneseriene sine, så lenge de fortsatte å selge. Mange av dem oppmuntret veldig til spekulasjoner ved å ofte kansellere langvarige tegneserieserier bare slik at de kunne starte dem med nye storselgende nr. 1-utgaver. Eller legge til spesielle “forbedringer” (“spekulant agn” ifølge minst en tegneserieutøvelse av dagen). Disse forbedringene inkluderte flere “variant” -deksler trukket av forskjellige kunstnere, spesielle lysstoffrør eller “glitrende” blekk, utbrettingsgatefold deksler, folie eller “holo-graphics” -deksler, polybaggede bøker (vanligvis med ekstrautstyr), hologrammer, die eller pregede omslag, og til og med engangsdeksler med “fargeformer” -lignende plastklistremerker eller plastjuveler (som skadet en stor prosentandel av trykkets kjøring av tegneseriene).
[Bortsett fra: Tilbake på dagen, mens han gikk nedover gangen på DC Comics, trakk en markedsføringsutøvende meg inn på kontoret hans,Prøver å finne nye ideer for forbedring av dekk, fordi de løp ut. Jeg foreslo sarkastisk at de kunne prøve et omslag basert på det gamle “magiske skjermbildet”, der du tegner et bilde på et stykke plast, og når du løfter opp plasten, forsvinner bildet ditt. Fans ville ikke være i stand til å motstå å trekke opp omslaget (og slette kunsten), foreslo jeg, slik at de måtte gå ut og få et nytt eksemplar hvis de ville ha forsiden. Damn hvis han faktisk ikke tenkte på det på noen sekunder…]
På midten av 90-tallet var det mange av spekulantene til slutt, innså opp, innså at det ikke kom til å bli mye avkastning på investeringen og kausjonert på tegneseriebransjen. Med så mange mennesker som fikk de samme “samlerutgavene” i betydelige mengder, var det aldri tenkt å være noen mangel på å skape den verdien av verdien de søkte. De etterlot seg millioner av usolgte tegneserier i tegneserier (noe som førte til stenging av tusenvis av tegneserier og kortbutikker) og tvang tegneserieforlagene til å minimere driften kraftig (eller gå ut av virksomheten). Rundt denne tiden publiserte Marvel over 200 tegneserier i måneden – mange som forsvant praktisk talt over natten – og selskapet endte opp med å erklære konkurs. Selv i dag skjønner ikke mange tegneserier fans helt hvor nær selskapet gjaldt å forsvinne helt, mest på grunn av mye bak kulissene og aksjemarkedet shenanigans.
Mange andre utgivere forsvant eller skalerte seg veldig tilbake. Tapet av så mange tegneserier forlag (og tegneserier) startet en dominoeffekt i Direct Market Comics Distribution System. Da støvet endelig slo seg ned, var det bare Diamond Comic -distributører som overlevd på grunn av mange eksklusive distribusjonsavtaler med viktige utgivere. Alt dette påvirket tegneserietjenesten på den tiden, og mange bransjevekter rapporterer at bransjen ennå ikke har kommet seg fullt ut – og kanskje faktisk har slått seg til rette i en ny, om enn tentativ status quo.
Men før all den bransjens dårlighet skjedde, gjorde andre aspekter 1990 -tallet til et veldig interessant tiår å se på.
Bilde av 90 -tallet
Savage Dragon
Alle kjenner historien nå. Flere artister som jobbet for Marvel, ble uventet hvit-varmt og begynte å føle at det var noe der ute utover å jobbe for huset som Stan og Jack bygde, spesielt etter å ha hatt glede av det som skjedde med Jack. Folk som Todd McFarlane, Jim Lee, Rob Liefeld, og vennene deres flyttet millioner av Marvel -bøker hver måned basert på talentene sine – og for bare sidefrekvens og royalty. Hvem vil ikke ha et større stykke av det? Så, de gikk og opprettet Image Comics, et Indy -selskap der de var sjefene – og skaperne eide det de skapte. (Dette gjaldt bare grunnleggerne, med tanke på at de raskt satte på plass de samme typer arbeid-for-ansettelsesavtaler de tidligere hadde gnistret under.) De opprettet tegneserier som Spawn, Wildc.A.T.S., Youngblood og Savage Dragon (den eneste En som fremdeles kjører av den opprinnelige skaperen, navnet tilbakeholdt, er… Erik Larsen) og for en stund var de de nye kongene av tegneserier.
Bildet solgte massevis av tegneserier – mange av dem multipler til spekulanter – og sannsynligvis ikke fullt så mange tegneserier som de solgte for Marvel, men med tanke på at de nå fikk en større prosentandel av overskuddet, noe som virkelig ikke gjorde noe mye for dem. Plutselig var det nye unge fans like rabiat for de nye bildebøkene som de såkalte “Marvel Zombies” var en fangenerasjon tidligere.
Og her skjedde noe interessant. Mange av bildebøkene ble skrevet og tegnet av artister, mange av dem hadde ikke mye tidligere erfaring med å skrive tegneserier. Det var ganske tydelig ved å sjekke dem at mange bilder tegneserier favoriserte kunst fremfor skriving. Selv om det absolutt ikke er noe galt med den slags tilnærminger, vil mange mennesker som har lest tegneserier i lang tid, inkludert mennesker som meg som ser på dem på en kulturell/sosial/kunstnerisk, kvasi-scholarly måte, fortelle deg at en Mye av de fantastiske tegneseriehistoriene